Dancing Waters: Rita Blitt au musée d'art de Mulvane

Par Sam Ben Meir

TOPEKA, Kansas - Dancing Waters est une nouvelle exposition au Mulvane Art Museum de Topeka, organisée par la directrice du musée Connie Gibbons, et présentant le travail de Rita Blitt, qui fait de l'art avec constance et diligence depuis plus de soixante ans. Au cours de cette période, Blitt a créé un corpus d'œuvres d'une ampleur et d'une portée immenses, englobant des milliers de dessins et de peintures, ainsi que des sculptures, du monumental à l'intime, et même du film. L'exposition actuelle s'appuie sur la vaste collection permanente de Mulvane pour offrir aux spectateurs une appréciation synoptique de cet artiste américain prodigieux et sous-exposé.

La danse implique le mouvement ; et dans le travail de Rita Blitt, la qualité incarnée et performative du tracé de la ligne est une composante essentielle. L'aspect terpsichorien de l'art de Blitt est irréductible à la technique ou au style : il est essentiel à la fois à la façon dont elle travaille et, plus important encore, à la façon dont ses peintures et sculptures agissent sur nous. Le mouvement saltant de l'eau est réalisé dans son pinceau expansif, bondissant et fluide. Pour Blitt, l'eau n'est pas simplement le composé chimique inorganique, mais essentiellement élémentaire, la viscosité du monde naturel - elle est vivante et en mouvement - et son engagement avec l'eau, cette substance primordiale, est un engagement, ou plutôt une étreinte, de ce que le philosophe Merleau-Ponty appellerait la « chair du monde », soulignant notre « lien incarné avec les espaces que nous habitons profondément, principalement, élémentairement ». La chair implique non seulement l'eau et ses flux, mais l'air et ses respirations venteuses, la terre avec ses formes et ses vicissitudes, et le feu, aussi lumineux et vivifiant que le soleil.

L'exposition commence par deux peintures à grande échelle, Dancing Waters I (2001) et Dancing Waters III (2001) - qui constituent toutes deux une excellente introduction à cet artiste parfaitement lyrique et expressif. Ils offrent un bon point de départ car Blitt est avant tout un maître de la ligne et de la linéarité, comme le montrent ces peintures. Ils sont également un rappel exultant que Blitt est essentiellement un artiste affirmatif, qui préfère généralement peindre la joie extatique du monde, plutôt que son éloignement et sa douleur. Des peintures comme celles-ci sont finalement une vision de la réconciliation de l'humanité avec le monde intérieur et extérieur. La fontaine de peinture jaune vif qui s'élève au cœur de Dancing Waters I est une belle confirmation que l'œuvre de Blitt occupe un monde mozartien de jouissance.

Bermuda (1958) est la première des peintures de Blitt exposées. On retrouve ici, parmi d'autres peintures de cette période, un intérêt pour le rapport formel entre les formes, qui se prolongera avec le temps dans sa sculpture monumentale. Sur le côté gauche, un objet triangulaire bien défini, vraisemblablement un bateau quelconque, s'avance hors de l'eau à un angle de 45 degrés. S'y est adossé un objet semi-rectangulaire dont la forme se répète dans un bâtiment surgissant du fond tropical. Sur le côté droit, on peut clairement discerner les traits expressionnistes audacieux qui finiront par dominer ses abstractions linéaires. Blitt a réussi à combiner avec succès, de manière particulièrement frappante, ce souci intense de la forme avec la gestualité énergique et effrénée du spray blanc. C'est un rappel de l'observation de Clement Greenberg selon laquelle chaque tableau fini est, en effet, "le résultat de la résolution réussie d'une lutte difficile".

Winds of Change (2004) et Celebrating Fall in Aspen (2003) sont des exemples éblouissants et à grande échelle de la peinture de paysage non naturaliste de Blitt. Il existe une certaine similitude formelle et structurelle entre les deux tableaux, qui présentent tous deux une ligne ondulée qui s'étend sur toute la longueur de la toile. C'est une ligne qu'on pourrait être tenté de considérer comme une répétition du geste fondateur de la création : la séparation du dessus et du dessous. Ce n'est pas seulement une longue ligne voluptueuse, mais le fil qui rend possible la fabrique même d'un paysage, qui nous permet d'embrasser le paysage et d'être embrassé par lui. Dans les vents du changement, de larges tourbillons expressifs de violets, de bleus et de gris planent au-dessus de l'horizon. Blitt est passé maître dans l'art de laisser la peinture se frayer un chemin sur des étendues de toile. Sa peinture est suffisamment fine ici (et dans Dancing Waters III) pour qu'elle coule d'elle-même en filaments délicats. Elle n'a pas peur de laisser la peinture collaborer avec la gravité et de produire des effets qui n'ont rien à envier aux gravures sur bois d'Hiroshige, Sudden Shower over Shin-Ōhashi bridge et Atake (c. 1920-1929) présentées dans l'exposition.

Blitt est aussi adepte de la transparence que de la couleur et de la densité. Untitled (1968), une sculpture acrylique translucide et insaisissable qui semble flotter dans les airs, est l'occasion d'émerger une présence subtile - comme si l'espace vide lui-même s'était figé en quelque chose de diaphane et d'éthéré. L'exposition comprend un petit mais notable échantillon des explorations de Blitt sur les possibilités sculpturales de l'acrylique. Le plus extraordinaire d'entre eux est peut-être Aquablitt (1972), fabriqué à partir d'une seule feuille de plexiglas, divisée intérieurement en larges rubans, puis façonnée par quatre personnes soulevant alternativement de chaque coin, sous la direction de Blitt. À bien des égards, cette œuvre incarne les thèmes de l'exposition : l'acrylique est devenu une poussée étrange et gonflée qui semble ne jamais finir mais qui se déplace et se propage constamment d'une ondulation à une vague enflée.

L'exposition comprend des peintures et des sculptures individuelles d'une poignée d'autres artistes dont le travail est thématiquement lié. Parmi celles-ci, Transmutation Still Life (2018), une sculpture en techniques mixtes de l'artiste d'installation Marguerite Perret, professeure agrégée d'art et de design à l'Université Washburn de Topeka, Kansas : elle jette un regard réaliste sur la forme étrange qu'un artefact humain ordinaire peut prendre sur temps - dans ce cas, le gilet de sauvetage orange vif d'un nageur colonisé par la mer et transformé dans le processus en quelque chose de reconnaissable mais nouveau, mystérieux et tout à fait captivant.

"L'art n'est pas indifférent à la vérité", comme l'écrivait RG Collingwood, "c'est essentiellement la poursuite de la vérité" - mais nous devons ajouter que ce n'est pas tant la poursuite d'une vérité préexistante que l'introduction de la vérité dans être. Si c'est ce que reconnaît le modernisme, alors le modernisme n'est pas avant tout une catégorie chronologique : il est esthétique et critique, et s'illustre dans l'œuvre de Rita Blitt. Pour elle, la peinture et la sculpture consistent précisément à récupérer ce que Theodor Adorno appelait « la moelle de l'expérience », qui a été perdue en raison de la modernité rationalisée, de la réduction de la raison à la raison instrumentale et de la domination de la nature, intérieure et extérieure. . L'abstraction moderniste, et la gestualité de Blitt en particulier, révèlent que "les particuliers sensuels peuvent signifier, peuvent être des objets d'attention hypnotiques, en dehors et au mépris de toute forme de mécanisme d'identification autre que celui que leur simple présence insinue".

Le travail de Blitt vise en fin de compte à revendiquer la signification de notre expérience incarnée et le statut, en fait, le prestige des particularités uniques et sensibles en tant qu'objets propres à une telle expérience. Comme l'a observé Adorno, il n'y a "vraiment aucun art qui n'ait pas, comme élément substantiel, l'aspect de donner une voix à ce qui a été assourdi ou supprimé -" c'est-à-dire sacrifié, bien que "pas nécessairement détruit - dans le processus de la contrôle progressif de la nature." L'art permet à cela, à ce particulier sensuel irréductible d'émerger comme intrinsèquement signifiant, de reprendre sa voix et de nous réclamer. Dans ce cas, une véritable appréciation de l'art de Rita Blitt doit également rendre justice à l'aspect utopique de son travail : c'est-à-dire qu'il nous invite à une réconciliation encore non réalisée avec la nature (intérieure et extérieure), une réconciliation avec ces aspects de l'humanité (les pulsions ludiques, spontanées et érotiques) qui ont été sacrifiées dans notre élan incessant vers la maîtrise de la nature.

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Sam Ben-Meir est professeur de philosophie et de religions du monde au Mercy College de New York.